Taller Narraciones Caminadas a cargo de Antonio R Montesinos en la Unia

Taller del Centro de Producción y Experimentación en Contenidos Digitales de PCD-UNIA.

Desde el 7 de octubre al 17 de noviembre de 2013 impartiré el taller NARRACIONES CAMINADAS dentro del programa del Centro de Producción y Experimentación en Contenidos Digitales de PCD-UNIA.

Se trata de un curso semipresencial. Con una parte virtual y con apoyo de sesiones presenciales en la Sede de la UNIA de Málaga los días 11 y 12 de noviembre de 2013 (de 16 a 20 h).

La carga lectiva: 1,5 ECTS (45 horas). 

Durante el taller se creará una historia, y a la vez una cartografía, realizando una serie de paseos por nuestros espacios urbanos cotidianos. Lo real y lo virtual se aúnan para poder realizar una cartografía usando Google-Maps o OpenStreetMap como herramienta. Este plano interactivo se ofrece como guía alternativa de la ciudad, que reflejará los relatos personales y las vivencias de los participantes en el taller.

Presentación: 

Narraciones Caminadas forma parte de un proyecto personal del artista Antonio R. Montesinos donde se cartografían los espacios siguiendo las metodologías narrativas de los videojuegos de aventura gráfica, trabajando en torno a la narración espacial y utilizando el geoetiquetado.

El taller pone en relación la forma en la que exploramos y nos apropiamos de los espacios reales, o urbanos en este caso, y los virtuales. El planteamiento de la actividad es desarrollar un ejercicio lúdico de cartografía, utilizando el caminar y mezclando las formas de habitar uno y otro espacio (real y virtual), para elaborar una narración basada en micro-territorios y micro-realidades de nuestros entornos cotidianos.

Durante el taller se realizarán varias caminatas que después se cartografiarán con herramientas de geoetiquetado basados en el API Google Maps y OpenStreetMap.

Destinatarios:

Te puede gustar participar en este taller si te sientes interesado por los paseos, la psicogeografía, la cartografía otra, los micro-relatos, o la geografía. También a nivel técnico puedes estar interesado: durante el taller aprenderemos como funciona Google-Maps y cómo podemos agregar nuestros propios contenidos

Metodología:

El taller será de carácter semipresencial. Tendrá un total de 45 horas, equivalentes a 1,5 ECTS. De estos 37 horas serán virtuales y 8 presenciales.

La metodología que se seguirá es eminentemente práctica. Se proporcionará a los alumnos, por medio del campus virtual, diferentes recursos, se resolverán dudas y se realizarán ejercicios online. Los alumnos deberán realizar una serie de ejercicios prácticos y tutoriales que les darán capacidades suficientes para realizar el proyecto final. Así mismo, los alumnos realizarán una caminata o deriva por si entorno próximo. Este ejercicio de deriva se documentará y con los materiales recolectados se trabajará en las clases presenciales. Finalmente se comentarán los resultados obtenidos. Todo esto vendrá apoyado por un apoyo constante por medio del campus virtual, diferentes redes sociales y una web realizada específicamente para el taller, donde se podrá acceder a los materiales del curso y a los resultados finales de los alumnos

Programa y contenidos del taller:

1ª Semana (7 de octubre - lunes): Introducción teórica.
Explicación del trabajo de Antonio R Montesinos  y su relación con la práctica del caminar como construcción simbólica del espacio.

Explicación de diferentes conceptos relacionados con el proyecto: la deriva situacionista, la narración espacial, el geoetiquetado, la micro-historia, el arte locativo, etc.

Se comentará el trabajo de algunos artistas que trabajan entorno a la noción del territorio y diferentes formas de cartografía digital para desarrollar su trabajo.

 

2 ª Semana (14 de octubre - lunes): Arte y neocartografía.
Se comentarán nociones básicas de neo-cartografía y se repasarán algunos proyectos artísticos de mapeo on-line. También se repasarán algunas herramientas de cartografía on-line.

 

3 ª Semana (21 de octubre - lunes): Primer contacto con la programación.
Este bloque se dedicará a tomar contacto con las nociones básicas de programación html. Suficiente para crear un pequeño micro-site. Se explicarán 3 horas de html y 3 horas de javascript. Se facilitarán pequeñas plantillas para facilitar el trabajo.

 

4ª Semana (28 de octubre - lunes): Ejercicios prácticos.
Se indicará una parte teórica para la realización de un primer ejercicio práctico con Google-Maps. Se realizará un primer tutorial sobre como insertar Google Maps en tu sitio web sin programación y un segundo tutorial sobre como insertar Google Maps en tu sitio web con programación. Por último se realizará un tercer tutorial sobre como insertar y personalizar Google-Maps en tu sitio web.

 

5ª Semana (4 de noviembre - lunes): Primera deriva.
Se darán instrucciones para la primera deriva de cara al proyecto final. Los alumnos realizarán una caminata por el lugar que ellos decidan. Después se ordenarán los datos recolectados para su implementación en el microsite creado mediante los anteriores ejercicios.

 

6ª Semana: Clases presenciales.
1 Toma de contacto (11 de noviembre - lunes - 16:00h a 20:00h).
Durante la primera hora se realizará una sesión de taller abierto para atender las dudas y preguntas del alumnado. La hora siguiente se dedicarán a comenzar el proyecto final por parte de cada uno de los alumnos. Este último bloque se realizará como un taller abierto donde los alumnos trabajarán directamente sobre sus proyectos.

2 Proyecto final (12 de noviembre - martes - 16:00h a 20:00h).
Las dos primeras horas de este bloque se realizará como un taller abierto donde los alumnos trabajarán directamente sobre sus proyectos. Se dedicarán a los últimos detalles y a subir el contenido a internet.

 

7ª Semana (18 de noviembre - lunes): Entrega.
La sesión estará dedicada a la finalización y entrega de proyectos, así como a cubrir dudas finales y a la evaluación.

Lugar de celebración:

Sede Tecnológica de la UNIA

Av/ Severo Ochoa 16-20, planta 1ª. Málaga Business-Park, Edificio Estepona,
Parque Tecnológico de Andalucía - Campanillas Málaga 29590.

La línea nº 25 de autobuses municipales conecta el Parque Tecnológico de Andalucía (PTA) con el centro de Málaga, con una frecuencia de aproximadamente cada 20 minutos. Horarios y tarifas.

La empresa privada Autocares Olmedo también realiza trayectos hasta el PTA. Horarios y tarifas.  

Precio y matriculación:

Precio: 30 €.

Plazo de matrícula: hasta el 20 de septiembre de 2013.

Matriculación y pago a través de la web de la UNIA (apartado Actividades Académicas>Cursos y Jornadas, en concreto, a través de este enlace).

Más información sobre matriculación en malaga@unia.es

Certificados:

Se otorgará un certificado de aprovechamiento a los participantes que superen los requisitos mínimos de evaluación del taller.

Jeff Keen

Flik Flak (extract); Jeff Keen, 1963.



Instant Cinema; Jeff Keen, 1962/2007



GAZWRX; Jeff Keen, 1967

Gazwrx: The films of Jeff Keen

The BFI have just done us proud with a box set of Jeff Keen films entitled Gazwrx, not to mention various screenings of his works – and all from brand spanking new prints! Keen was one of the earliest and best British underground film-makers. He was largely self-taught and is blessed with a beatnik sensibility that converges with the hippie scene of the later sixties but remains a distinctive strand within it. As a starting point for all this, imagine a surrealist remake of Robert Frank’s Pull My Daisy (1959) set in Brighton and you’re not a million miles away from Like The Time Is Now (1961); except, of course, the comparison glosses over Jeff Keen’s singularity. Wail (1960) is probably more typical of Keen’s cinematic sensibility; a crazy mix of animation and live action footage featuring Hollywood werewolves, high art and gang violence. Using 8mm film, Keen created scratch video 20 years before anyone else had thought of it. The resultant mix and match of high art and lowbrow popular culture runs through forty years of his film work.

From the early sixties right through to the late seventies Keen worked with an ensemble of players who might be compared to the troupe John Waters deployed in his midnight movie hits before making the transition to Hollywood director. Although both men clearly set out to entertain their audiences, the similarities pretty much stop there because Keen created shorts not features, had no time for narrative and made extensive use of animation and double exposure. So the results are closer to Ira Cohen’s Invasion of Thunderbolt Pagoda (1968) than Pink Flamingos (1972). But as in John Waters’ far more conventional flicks, Keen’s ensemble of actors liked to dress up and act out as exaggerated comic book versions of themselves: and some of them were rather fond of taking their clothes off too, particularly Jeff’s wife Jackie Keen. One can sense from the films that there were sexual shenanigans going on off-screen that fuelled the bad craziness caught on celluloid. But if sex and nudity don’t do it for you, there are also cardboard ray guns, monsters, endless explosions of paint and other pyrotechnics. The titles of the films in the Gaswrx box provide a good indication of their content: Cineblatz, Marvo Movie, Meatdaze, The Cartoon Theatre of Dr Gaz, Return of Silver Head, Victory Thru Film Power, Kino Pulveriso, The Dreams and Past Crimes of the Archduke, Omozap, Artwar Fallout, Plasticator etc.

(...)

Continúa leyendo en StewartHomeSociety.

Street with a view, 2008;Robin Hewlett and Ben Kinsley

Esta imagen desde we-make-money-not-art.


Algunas escenas del proyecto:

Narrow Escape

Torn bed sheets form a ladder and suggest a narrow escape, but who is escaping? And from what?

See it in Street View!

Ham

Artist Michelle Fried donned her ham suit as proof to Doug’s claim—Meats here!

See it in Street View!

Sword Fight

Members Askarus and Twolf of the medieval battle society Angaron (Pittsburgh’s local chapter of Dagorhir Battle Games) engaged in swordsmanship and hand-to-hand combat in a grassy “battle field” at the corner of Sampsonia Way and Federal Street.

See it in Street View!

Street With A View introduces fiction, both subtle and spectacular, into the doppelganger world of Google Street View.

On May 3rd 2008, artists Robin Hewlett and Ben Kinsley invited the Google Inc. Street View team and residents of Pittsburgh’s Northside to collaborate on a series of tableaux along Sampsonia Way. Neighbors, and other participants from around the city, staged scenes ranging from a parade and a marathon, to a garage band practice, a seventeenth century sword fight, a heroic rescue and much more...

Street View technicians captured 360-degree photographs of the street with the scenes in action and integrated the images into the Street View mapping platform. This first-ever artistic intervention in Google Street View made its debut on the web in November of 2008.

An incredible cast of real-life characters contributed their time, energy and talents to creating pseudo-street life on Sampsonia Way. Please check out the scene breakdown, the participant page and the video documentation to learn more about the artists, groups and participants that made Street With A View possible.


Más información sobre el proyecto en Street of a view.

Future everything

FutureEverything commissions new artworks and presents exhibitions on society, technology, environment and the city, with a focus on artworks that are participatory, sited in public space, and in an urban context.

Each year the festival also features a special focus on an annual theme. In 2010 the annual theme is The City Experiment - Doing It Together.

Sub-themes include

The City Experiment The ways people can experiment in remaking the city.

iPhone and the Derive Art in the age of the iPhone and Android.

Adaptive Cities Cities are not static but fluid and alive.

Data Visualisation Interpreting complexity.

Rapid Prototyping Launching the UK's first FabLab.

Sub-themes include:

The City Experiment The ways people can experiment in remaking the city.

iPhone and the Derive Art in the age of the iPhone and Android.

Adaptive Cities Cities are not static but fluid and alive.

Data Visualisation Interpreting complexity.

Rapid Prototyping Launching the UK's first FabLab.

Read a statement on the festival themes here.

FutureEverything now invites submissions of artworks, social interventions or digital culture innovations for inclusion in the FutureEverything 2010 Art Programme.

Más futuro por aquí.

Histoire(s) du cinéma, 1988-1998; Jean Luc Godard

___________________

HISTOIRE(S) DU CINEMA Chapter1A - Toutes les Histoires, 1988

Histoire(s) du cinéma is a video project begun by Jean-Luc Godard in the late 1980s and completed in 1998. It is always referred to by its French title, because of the wordplay it implies: histoire means both "history" and "story," and the s in parentheses gives the possibility of a plural. Therefore, the phrase Histoire(s) du cinéma simultaneously means The History of Cinema, The Histories of Cinema, The Story of Cinema and The Stories of Cinema. Similar double and triple meaning, as well as puns, are a recurring motif throughout Histoire(s) and much of Godard's work.

The densest of Godard's films, Histoire(s) du cinéma is an examination of the history of the concept of cinema and how it relates to the 20th century; in this sense, it can also be considered a critique of the 20th century and how it perceives itself. The project is considered the major work of the late period of Godard's career; it is alternately described as an essay and a poem.

The film was screened out of competition at the 1988 Cannes Film Festival.^[1] Nine year later, it was screened in the Un Certain Regard section at the 1997 Festival.^[2]

Más en la wiki y aquí, la lista de reproducción completa del capítulo.

The record archive, in process; Dani Gal

The record archive, in process

Gal’s record archive is an ongoing project of collecting vinyl records that sound document historical events of the twentieth century.

The archive contains speeches and interviews by world leaders, wars in sound, peace agreements, human rights struggles and other radio broadcasts of the events that shaped history from the invention of the phonograph to the fall of the Berlin wall.

The phenomena of records that document political and historical events was popular from the 50’s until the late 80’s Most of the records had direct connection to propaganda and for the shaping of a national historical naratives.

The collection underlines how a society turns its historical events into commodities and how sound documentation functions in relation to collective memory.

Para ver más de Dani Gal.

Get lost; Artist map downtown New York

GET LOST is a collective portrait of downtown New York. Twenty-one international artists were invited to create a personal view of the city and draw a map of downtown New York, uncovering a territory that is both real and imaginary. The maps were collected in a fanzine publication that was distributed for free at galleries, not-for-profit institutions and other sites that animate the life of downtown New York.

GET LOST brings together fictional landscapes, utopian visions, private memories, and obsessive instructions to explore Manhattan, its past, present, and future.

An exercise in emotional geography, GET LOST sketches the coordinates for an endless drift across the streets and myths of downtown New York.

GET LOST is the city as seen through the eyes of: 16beaver group; Francis Alÿs; Cory Arcangel; Jennifer Bornstein; Beth Campbell; Marcel Dzama; Isa Genzken; Inaba and Associates; Dorothy Iannone; Chris Johanson; Christopher Knowles; Terence Koh; Julie Mehretu; Jonas Mekas; Aleksandra Mir; Thurston Moore; Dave Muller; William Pope.L; Lordy Rodriguez; Rirkrit Tiravanija; Lawrence Weiner.

GET LOST is a New Museum production, edited by Massimiliano Gioni, Director of Special Exhibitions. To view copies, visit the New Museum Resource Center. To purchase, visit the New Museum Store.

Beginning Wednesday, June 6, 2007, free copies of GET LOST were made available to the public at the following markers of the downtown scene and cultural organizations around the city: Opening Ceremony (35 Howard Street), Babeland (43 Mercer Street), Bowery Poetry Club (308 Bowery), The Bowery Hotel (340 Bowery), Congee Village (100 Allen Street), Lost City Arts (18 Cooper Square), Freemans Restaurant (Freeman Alley at Rivington Street), Two Boots (155 East 3rd Street), Patricia Field (302 Bowery), Screaming Mimi's (382 Lafayette Street), Joe's Pub (425 Lafayette Street), Artist's Space (38 Greene Street, 3rd Floor), The Kitchen (512 West 19th Street), Sculpture Center (44-19 Purves Street, Long Island City), The Rotunda Gallery (33 Clinton Street, Brooklyn), Bronx Museum (1040 Grand Concourse at 165th Street, Bronx), and the Bedford Cheese Shop (229 Bedford Avenue, Brooklyn). GET LOST was also distributed at the galleries of participating artists.

Para verlo completo, en Get Lost.

Dream of art spaces collected

En el evento genial que estuvimos invitados a participar BarraDiagonal unos días atrás, MODIFI, pudimos conocer entre otros muchos proyectos interesantes, la iniciativa Dreams of Art Spaces Collected. Desde la página de Dorothee Albrecht (una de las componentes del proyecto), una pequeña reseña:

Dreams of Art Spaces Collected investigates visions and experiences in exhibiting and mediating contemporary art starting with Europe, China and Australia, collecting various perspectives from artists, non profit project spaces and artist run initiatives. The research is based on extensive video interviews with practitioners, artists, art curators and theorists. It’s an open collection of video interviews, but also of images, publications and links.

(...)

Un poco más desde la página del propio proyecto:

DREAMS OF ART SPACES COLLECTED emerged as an artistic research project by the artists Dorothee Albrecht, Alf Löhr, Andreas Schmid and Moira Zoitl for the Internationale Gesellschaft der Bildenden Künste (IGBK), Berlin in 2007.

Their decision to focus on a collection of video-interviews naturally led towards an extension of already existing networks and experiences, starting from Australia, as Alf Löhr was based in Melbourne at that time, starting from China, as Andreas Schmid has been concerned with Chinese contemporary art since he studied in Hangzhou during the mid-80s, and starting from Europe, but more from the margins of Europe, along the interests of Moira Zoitl and Dorothee Albrecht. This parallel beginning seems very important in highlighting the networking character of the collection starting from different nodal points around the globe. It is conceived as a setout open to affiliation with other networks; an opportunity for the emergence of new networks between artists in different parts of the world.

Investigating visions and experiences in exhibiting and mediating contemporary art, the artists collected various perspectives of artists, curators and theorists with the emphasis on non-profit project spaces and artist run initiatives.

To initiate a conversation we used the following questions:

If you imagine the art space of your dreams. What’s it like? What is it supposed to do? How would you evaluate existing setups? What are the focus and the strategy of your space? What kind of audiences is your space trying to attract?

Seguir leyendo.

Para ver las entrevistas, aquí.

Documentos desactivados

A propósito de "En los márgenes del arte. Creación y compromiso político" en el Centro de Estudios y Documentación del MACBA.

por MONTSE BADIA

(...)
Una exposición documental puede ser el lugar o el formato capaz de redefinirse, de ser audaz y arriesgada, de mezclar, superponer y contraponer con más libertad y menos restricciones que las piezas de una colección, por ejemplo. Hace tiempo que la investigación ya no sucede sólo en bibliotecas silenciosas y que los archivos y los documentos no son sólo para especialistas, todo depende de la manera en que sean presentados y en que se ofrezca el acceso a ellos.(...)

Leer artículo completo en A-desk.

The Surrealist Map of the World (1929)

Just as light is not supposed to bend, so the Equator should not waver from its rectitude. The fact that it snakes across this map like a hose through a garden indicates that this is a very weird world indeed.

How weird? A first indication is the size of Alaska – way too big even if you allow for the distortion of the Mercator projection, which is also ballooning Russia to a size much bigger than its already huge actual surface, but this super-sized Russia is not out of line with accepted mercatorial deviance.

Closer inspection of the American continent reveals a gigantic Labrador, bordering on Mexico, to which is appended an atrophied version of South America. Not just atrophied, but completely missing are the United States and Canada (not to mention all other Central and South American countries, save Peru, which takes up all of its subcontinent).

Two para-American islands are affected by gigantism: Easter Island, which looks like a teddy bear pointing towards Peru, and Tierra del Fuego, at the southern tip of the Americas, looking like a lizard running west… the low resolution of this image leaves much to the imagination.

Asia and Oceania are similarly blighted by gigantism (Hebrides, New Guinea and an illegible archipel, China and Afghanistan) dwarfism (Australia, India) and not-there-ism (Japan, Sri Lanka, much of the Middle East).

Africa is tiny, Europe is almost entirely covered by Germany, Ireland is looking straight at Europe across the Britain-less North Sea. Only two cities are marked on the map: Paris and Constantinople…What’s the point of this map? Well – its point is that it hasn’t any, except to bewilder and shock bourgeois viewers by presenting a bizarre alternative to the stale normality of their expectations.

Which is a neat summary of the surrealist world view – not co-incidentally, the title of this work is Surrealist Map of the World. It first appeared in 1929 in a special issue of ‘Variétés’, a Belgian magazine, dedicated to surrealism – an art form remembered for its absurdity, but less for its political views.

In discussing this map in her excellent book You Are Here, Katharine Harmon quotes a Surrealist manifesto from 1925:

“Even more than patriotism – which is a quite commonplace sort of hysteria, though emptier and shorter-lived than most – we are disgusted by the idea of belonging to a country at all, which is the most bestial and least philosophic of the concepts to which we are all subjected.. Wherever Western civilization is dominant, all human contact has disappeared, except contact from which money can be made – payment in hard cash.”

This map was found here.

Desde el muy interesante Strangemaps.

MY MAP IS NOT YOUR MAP / seminario en Arteleku

“!Mi mapa no es tu mapa!”

La frase “¡mi mapa no es tu mapa!” puede ser pronunciada principalmente de dos modos: con un tono de estrañeza, por ejemplo en el marco de una visita turística, al comprobar que el mismo espacio no está organizado del mismo modo en el mapa de quien nos acompaña. En este momento la siguiente reacción podría ser del tipo “¿Cuál es el mapa correcto, nos habremos perdido?”.

El segundo tono que podríamos utilizar para pronunciar “¡mi mapa no es tu mapa!” sería más severo o agresivo, una reafirmación que reclama una visión del espacio que otros no comparten, por ejemplo, en el contexto de los territorios palestino-israelí.

Introducción general al seminario

Estas disciplinas no se centran en el desarrollo de precisas tecnologías de posicionamiento y mapeado, sino en transformar el sentido y el contexto de ese posicionamiento. Se preocupan por describir el espacio físico no sólo mediante geografías objetivas sino también relativas, partiendo de la concepción de que un lugar nunca llega a ser ni puramente cartesiano ni puramente psicogeográfico.

Los artistas e investigadores de este seminario destapan estas desorientaciones sociogeográficas para inventar y jugar con nuevas cartografías e interfaces de localización. Son tecnologías y tácticas que recuperan el sentido de navegación como búsqueda trascendente y que transforman nuestra percepción del territorio, redibujando el mapa que lo describe con las huellas sociales ignoradas por las fotografías de satélite.

Atendiendo a este panorama de conflicto en la representación del territorio con nuevos medios, el seminario centrará el debate en estas cuestiones específicas:

· Estrategias, herramientas y ejemplos de remapeado subsersivo.

· Evidenciando, explotando o conciliando discrepancias en el mapeado colaborativo de Internet.

· Alterando la percepción del entorno físico: tácticas e interfaces híbridas.

Una cita ineludible para los interesados en las estratégias desde la cartografía con conferencias y talleres en este seminario.

Toda la info en Arteleku.

RELECTURA Y APROPIACIÓN / Nacho Paris

Relectura y apropiación: cuando la creación está amenazada por la legalidad.
Nacho París

“Quizás son aquellos que apoyan la legislación de la representación y la privatización de la lengua los que están bajo sospecha; quizás son las acciones de los plagiarios, en unas determinadas condiciones sociales, las que más contribuyen al enriquecimiento cultural.”
Critical Art Ensemble. The Electronic Disturbance

“Nada es simple y menos el hurto”
Orson Welles. F for Fake

Introducción

Este texto viene a defender la necesidad de desarrollar una visualidad crítica (tanto en la creación como en la recepción) capaz de construir una “imagen política” que. desde una cierta subjetividad visual, y situando su quehacer en un ámbito no necesariamente estético, contribuya a discutir, cuestionar o desvelar los aparatos de poder, los discursos dominantes, las industrias de producción del arte, de la información, de las imágenes, y del pensamiento… así como las razones económicas e ideológicas que gobiernan nuestro sistema cultural, y que deciden lo visible y lo no visible, y cuyo destino es, en definitiva, controlar nuestros procesos mentales y nuestros modos de interpretar el mundo. Una imagen política en cuyo desarrollo, los procesos de apropiación –que releen y descodifican las producciones culturales de todo tipo– tendrían un valor central como estrategia de contestación a las condiciones de globalización mediática que sufrimos. Entenderemos la apropiación, no como un robo, si no como el reciclaje, la reutilización, la revisión, la cita el plagio o la tergiversación… como una táctica creativa que en determinado grado es inherente a cualquier proceso expresivo; una forma de trabajo que según terminología usada por E. Bonet en la definición del Archival Art Film (“La apropiación es robo”) es en cierto modo ecológica (en cuanto que ahorra recursos, al emplear obras, imágenes textos o fragmentos ya creados), y dialogante (ya que establece un intercambio con el entorno cultural heredado), pero sobretodo imprescindible, hoy por hoy, cuando el discurso dominante se impone por su ubicuidad y permanente presencia. Y es desde esta perspectiva –la de la apropiación como estrategia de creación, y no tanto como movimiento artístico posmoderno– desde la que este texto se ocupará del tema.

Pero si –y al paso que vamos es lo más probable– cualquier operación de este tipo fuera declarada ilegal en virtud de unos mal entendidos derechos de autor y de propiedad intelectual (dos conceptos “autoria” y “propiedad” que a pesar de lo arraigados que están en la sociedad es necesario revisar continuamente, relativizar y discutir) entonces, y aquí es cuando cobra sentido la cita de O.Welles que encabeza este escrito, habrá que recurrir a la ilegalidad. Y la propuesta “debordiana” del detournement como una tergiversación, una “desviación criminal” del sentido de las imágenes y los textos, destinada a sustituir al arte, se convertirá en una profecía. Porque lo paradójico del asunto es que las industrias del ocio y de la cultura, que están construidas fundamentalmente sobre la cita y la apropiación, pretenden limitar el uso de la relectura de imágenes monopolizando así el sentido de las interpretaciones sobre cualquier producto cultural. Así que hoy, como dice Lawrence Lessing 1: “para criticar o construir a partir de la cultura que nos rodea, uno tiene antes que pedir permiso, como si fuera Oliver Twist. Este permiso, por supuesto, se concede a menudo —pero no tan a menudo a los que son críticos o independientes.”

Sigue leyendo en Witzseclau.

Código Fuente: la remezcla / Zemos98

¿Qué pueden tener en común un escritor surrealista con un DJ? ¿Qué relación hay entre un wiki y la literatura de vanguardia? ¿Puede ser un libro un software re-programable? ¿Puede contarse una historia y conceder al lector el código fuente para que este la remezcle?

Código Fuente: la remezcla es un anagrama, porque todos los elementos existen en una relación simultánea, por ello en su interior nada es primero y nada es posterior, nada es futuro o pasado, nada es viejo y nada es nuevo.

Código fuente: la remezcla es un juego. Un juego como experimentación, como inmersión entre las intersecciones entre ensayo y error, como variaciones de lo imprevisto, como tropos de lo posible, como ejercicio para recordar el futuro.

Código fuente: la remezcla como aleph insuficiente. Aleph porque intenta abarcarlo todo, insuficiente porque es un imposible asumido de antemano. La remezcla y su código fuente son un bucle que tiende a infinito, nuestro libro ralentiza por momentos el scratch, lo detiene como un elástico a punto de lanzar una piedra y lo suelta como una sinapsis digital.

(...)

Las cuestiones versan principalmente en torno a las ideas eje de los Encuentros: archivo y memoria, remezcla y palimpsesto. Cuestiones que colaboran a expandir el debate en torno a “lo nuevo” y “la cultura libre”, sobre ready-made y material encontrado, sobre apropiación y falsificación, sobre collage y montaje, sobre cita y remix, como conceptos clave en las artes audiovisuales más experimentales; sobre el montaje como palimpsesto de significados, el remontaje como operación creativa fundamental y como “instrumento susceptible de permitir la fagocitación de todo tipo de materiales” y como una búsqueda de producción de sentido como Harun Farocki apunta.

Pero también sobre cuestiones en torno a la sociedad network, en torno al uso cultural de los nuevos medios en la que algunos consideran la época post-media.

Descarga Código fuente: la remezcla en PDF.

Más en grand masters Zemos98.

Unbook o el libro inconcluso / Carlos Guyot

Jay Cross se dedica desde hace más de 30 años a los sistemas de aprendizaje informal y, desde que existe, a la creación de comunidades que permiten las herramientas de la web 2.0. Dave Gray fundó hace más de 15 años Xplane, una compañía especializada en "visual thinking", es decir, el diseño de información a partir del pensamiento visual. Ambos crearon hace pocos meses el concepto unbook (por "unfinished book") que podría traducirse como libro-inconcluso. "La fuerza detrás de la idea -explica Gray- reside en la velocidad con que avanzan los cambios culturales y la incapacidad del circuito tradicional de edición de libros para mantenerse actualizado". Si el libro es un objeto terminado por su autor que puede ser ligeramente actualizado en sucesivas ediciones, el unbook (unbook.com) es un libro de contenido abierto que puede ser continuamente mejorado por su comunidad de lectores en sucesivas versiones. "Se parece más a la creación del software -puntualiza Cross-. El unbook nunca está terminado, se actualiza según las necesidades y aportes de su comunidad de lectores, que son la pieza clave del libro".

El objetivo según sus propios autores es acortar la distancia entre la idea y el objeto, y al mismo tiempo, permitir la evolución constante de un objeto que mejora versión tras versión. "El libro se convierte en una sesión de jazz, participativa, en movimiento, con un ritmo que le permite generar nuevas ideas, formas y senderos", concluye Cross.

Gray y Cross han llevado el concepto a la práctica, y en el sitio unbook.com ofrecen unos veinte libros de diversos autores escritos con esta metodología. Algunos son gratis, pero la mayoría puede comprarse en versión digital o papel por entre US$ 7 y 12.

La idea es una de las pocas que se concentra no en el formato final del libro (papel/digital) sino en su producción, incorporando el concepto desarrollado originalmente por la wikipedia: la creación colaborativa genera valor y sentido si sigue una determinada metodología.

El poeta finés Teemu Manninen( www.booksfromfinland.fi ), al comentar el proyecto en su blog, escribió el siguiente anhelo: "Acaso el unbook recupere el aura perdido por la reproducción técnica del que habló Walter Benjamin".

Desde Do-cumenta

El orden del discurso / Foucault

Foucault, Michel - El Orden Del Discurso

Procesos de archivo

Procesos de archivo ensaya formas de abordar la construcción de un archivo en el contexto de una institución concebida a partir de las ideas de proceso y participación. Las propuestas artísticas que van formando parte del proyecto son archivos vivos que recogen y dan a conocer la memoria colectiva local, la memoria del propio lugar -de Matadero-, así como las experiencias que han dado cabida a distintos públicos en Intermediæ. Pasado, presente y futuro se combinan en las propuestas que acoge la plataforma Procesos de archivo, por el momento:

— MUSEUM FUTURES: DISTRIBUTED
Neil Cummings en colaboración con Marysia Lewandowska
Hasta el 30 de septiembre

— FUTURE ARCHIVE
Manuela Zechner y Valeria Graziano
Punto de acceso en la plataforma Procesos de archivo
www.futurearchive.org

— CORTE ARGANZUELA
Cía Puctum / Proyecto escénico de teatro documental
Instalación en la plataforma Procesos de archivo
www.puctumteatro.com
Blog Corte Arganzuela

INTERMEDIÆ BLOG

Más por acá.



Y con una pinta estupenda cómo se plantearon las mesas de trabajo según nos lo cuenta Neil Cummings y lo podemos ver en todo lo recogido en el proceso de trabajo en Intermediae:



Algunas notas sobre las reuniones.

NOTA 1

Es habitual que las instituciones culturales se enfrenten al problema del "archivo" dada su relevancia en los debates actuales.

Lo más interesante de la relación de esa inmersión del archivo en el mundo del museo es que siempre estuvo ahí. Y como siempre ha estado ahí, contiene en si mismo la mayor parte de los problemas de los que "hablamos": ya se encuentran incorporados en la herramientas conscientes e inconscientes que todo museo ha utilizado para construir sus representaciones de la práctica artística y cultural que ha llevado a cabo durante siglos.

¿Son menos "conceptuales"esos archivos? Pues han contribuido bastante a crear las categorías del arte y a menudo a construir la mirada y pensamiento sobre él.

Exposición Culturas de archivo

19/9/2000 - 22/10/2000

Culturas de archivo

www.culturasdearchivo.org

Jorge Blasco (comisario), Nuria Enguita Mayo (comisaria)

Con Daniel G. Andújar, Lluís Codina, Jean-Luc Godard, Nicolas Malevé, Basilio Martín Patino, Montserrat Soto (fotógrafo)

Organiza Fundació Antoni Tàpies, Barcelona

Itinerancia

19/9/2000 - 22/10/2000, Fundació Antoni Tàpies, Barcelona

5/2/2003 - 15/3/2003, Sala de Exposiciones Abrantes, Universidad de Salamanca y Servei de l’Àrea Cultural de la Universitat de València

Gran parte de la reflexión estética del siglo XX ha estado dedicada a las condiciones de recepción de los productos y las actuaciones del ser humano. La relación fundamental entre el archivo y el museo es su calidad de receptáculo de objetos de interés, con independencia de su soporte.

Pero también es esa la gran diferencia: en potencia, el archivo lo contiene todo sobre la parte de realidad que representa, en tanto que el museo hace pública una selección de la realidad y la acoge en sus salas. Si la creación de portales, pretextos y ordenaciones del acceso al objeto del interés humano es la forma que tiene la cultura occidental de comprender, organizar y poseer su realidad -o la ajena-, el siguiente paso será su utilización como soporte en sus narraciones, tanto documentales como de ficción. Esto elimina la frontera aparente entre la creación del documento, su exposición en cualquier medio y sobre todo, entre la realidad, el relato y la ficción.

Culturas de archivo plantea una reflexión en torno a la problemática del archivo y su repercusión en las formas de acceder a la información y al conocimiento. Es un recorrido por varios momentos de la cultura y el arte contemporáneos centrado en los modos y los procesos de narración de la realidad que el archivo genera. La muestra abarca diferentes aspectos de esta dialéctica entre la producción y la exposición del documento desde su hallazgo hasta su publicación. Refleja parte del debate sobre su condición represora, a la vez que muestra la intervención directa de narradores y artistas con intenciones narrativas no marcadas por el positivismo subyacente a todo archivo.

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El archivo de represión totalitaria; el repertorio fotográfico para la catalogación totalizadora de la realidad de una época; las fichas para nombrar, identificar, medir y archivar individuos, utilizadas en muchas disciplinas, desde la criminología hasta la geología, la arqueología, la etnología y la zoología; la compulsión privada de archivar en imágenes; el registro de lo nuevo en cada viaje; la obsesión por la imagen familiar y, en general, la reserva de la memoria; todos estos elementos se ponen en común, en tanto que reflejan la tendencia que impulsa a mantener la realidad archivada, subtitulada, datada y organizada.

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Más sobre el proyecto en la reseña de prensa de la Fundació Tàpies.

Sobre su portal ya habíamos publicado un post aquí.

Entusiasmo

28/10/2005 - 15/1/2006

Un proyecto de Neil Cummings y Marysia Lewandowska

Organiza:
Fundació Antoni Tàpies, Barcelona; Centre for Contemporary Art, Ujazdowski Castle, Varsovia; Whitechapel Art Gallery, Londres; y KW Institute for Contemporary Art, Berlín
Inauguración:
27 octubre 2005, 19.30 h, nivel 3
Exposición en Barcelona:
28/10/2005 - 15/1/2006, Fundació Antoni Tàpies, Barcelona
Itinerancia:
1/4/2005 - 22/5/2005, Whitechapel Gallery, Londres
5/6/2005 - 4/9/2005, KW Institute for Contemporary Art, Berlín
Horario:
de martes a domingo, de 10 a 20 h. Lunes cerrado
Visitas de grupo:
pueden concertarse horas de visita llamando al (t) +34 934 870 315 / (f) +34 934 592 450 / reserves@ftapies.com
Servicio de prensa:
Alexandra Laudo (t) +34 934 870 315 / (f) +34 934 870 009 / e-mail

Hace diez años que los artistas británicos Neil Cummings y Marysia Lewandowska trabajan conjuntamente en la exploración de formas de producción cultural colaborativas. Los proyectos que han desarrollado durante este tiempo han servido para profundizar en el estudio y la investigación de nuevas vías de producción artística y de relación con las instituciones culturales que definen, producen, promueven y difunden el arte. Estas instituciones son las que, en última instancia, ponen en escena el intercambio de valores entre las personas y los objetos. Entre sus proyectos anteriores podemos destacar Free Trade (2003), una exploración de las implicaciones del arte y el capital en el Manchester del siglo XIX, o The Value of Things (2000), un estudio paralelo del funcionamiento de dos grandes instituciones gestoras de objetos, el British Museum y los grandes almacenes Selfridges (www.chanceprojects.com).

En esta ocasión, Neil Cummings y Marysia Lewandowska han creado un extenso archivo de la filmografía producida por el movimiento polaco de cine amateur desde la década de los cincuenta hasta mediados de los ochenta. En la Polonia de la era socialista, el ocio se organizaba a través de numerosos clubs de fábrica patrocinados por el Estado, y uno de los más populares era el que fomentaba el rodaje de películas. Paralelamente a -o a contrapelo de- la cultura oficial tardía de la Guerra Fría en el bloque soviético, estos trabajadores entusiastas supieron captar de forma subversiva las escenas que los rodeaban ofreciendo narrativas de amor y pérdida, deseo y anhelo, a la vez que exponían las relaciones con el trabajo, la celebración, el consumo y el ocio. En una entrevista reciente, Marysia Lewandowska describe el fenómeno del entusiasmo como "una especie de motivación, una fuerza independiente de las obligaciones profesionales [...]. Un impulso no dictado por las ganancias financieras [...] resultado de pasiones ocultas y necesidad de autorrealización." Cummings y Lewandowska utilizan estas películas para retrazar una trayectoria del entusiasmo que parece haber desaparecido de los espacios del arte y la cultura.

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Más info en la Fundació Tàpies.

Mon Ennemi, Mon Frère, Mon Bourreau, Mon Amour / Kara Walker

sobre la exposición Kara Walker - Mon Ennemi, Mon Frère, Mon Bourreau, Mon Amour



La artista práctica una disección, o más bien una autopsia, de la historia y nos muestra algunos cortes y heridas bien disimuladas en ciertas cicatrices. Con su trabajo nos enfrenta de forma muy clara a cuestiones dejadas de la lado en las narraciones históricas acerca de la esclavitud de las personas de color (y se expande sobre todo entre las relaciones entre amos blancos y esclavas negras o adultos y niños) en la época de formación de los Estados Unidos, tales como la sexualidad, el deseo, los juegos infantiles, la pederastia, la represión masculina… para ello utiliza siluetas en negro (recuerdan a ese antecedente de la fotografía que se pusieron de moda en el s. XVIII y consistían en realizar mediante una máquina la silueta en negro de la persona retratada , máquinas que se encontraba en ferias), ilustraciones de varios tipos, intervenciones sobre páginas de revistas antiguas y reproducciones de grabados antiguos (en grande) que representan plantaciones de algodón con esas siluetas fantasmagóricas y algunas películas inspiradas en las primeras fantasmagorías y animaciones de sombras chinescas…

Lo que se encuentra interesante en el trabajo de Kara Walter es que utiliza elementos, objects trouvés técnicos e ideológicos que recuerdan a la gestión de los medios de reproducción para hablar de aquellos prejuicios que le fueron adheridos a estos y que han quedado como un silencio, como el vaciado de una forma, en la historia.

Apuntes para una teoría del lector / Rodrigo Fresán

Con el paso de los libros y la sostenida práctica de esa imprecisa ciencia que, a falta de otro mejor, responde al nombre de Literatura, he comprendido, no sin algo de esfuerzo y bastante sorpresa, que en el fondo y en la superficie de todas las historias existen tan sólo dos categorías de escritores y, por lo tanto, dos categorías de lectores.
Están aquellos que al final de un cuento suspiran ¿Por qué no se me habrá ocurrido a mí? y están los que optan por sonreír ¡Qué suerte que se le ocurrió a alguien!
Eso es todo, todos somos lectores de un modo o de otro.
El Bien y el Mal –las claves obvias de nuestra caída y los códigos secretos de nuestra salvación– descansan en paz, se revuelcan en las sábanas rojas de la guerra y se enferman de buena salud en el centro mismo de esa diferencia irreconciliable que, tarde o temprano, conducirá al final de nuestros días en el universo.
Algo los une sin embargo: para los hombres, para todos los escritores y los lectores, la Historia –vano mecanismo de defensa siempre es el pasado. Sólo a medida que envejecemos comenzamos a comprender, gracias al tibio y casi inútil consuelo al que se accede con la perspectiva de los años, que hemos vivido la Historia casi sin darnos cuenta y que –¿primera y última cortesía de la muerte?– no demoraremos en encontrarnos ligados a Ella por toda la eternidad.
Así, nuestra humilde y hasta entonces fluvial historia desemboca, con un último aliento, en el inconmensurable océano donde van a dar todas las tramas. Así, el fin de los tiempos y el fin de la Historia; y, de vivir adentro de un volumen de cuentos, de ser uno de sus personajes, nada me molestaría menos que ubicar este embrión de relato –una breve introducción en realidad, apenas la incierta luz de una teoría, la sombra de un cuento– en las primeras páginas. La paradoja del fin del mundo en el principio de un libro. Una humilde trampa que funcionase no para desconcertar al lector sino para juguetear con la idea de un nuevo inicio concebido durante el último acto del inmenso e inalcanzable universo imposible de poner por escrito, ahí afuera.

Sí, el principio de un libro también puede ser el fin del mundo.

Sigue leyendo.

Fragmento del cuento publicado en La velocidad de las cosas