A Topological Approach to Cultural Dynamics

ATACD - A Topological Approach to Cultural Dynamics

Pathfinder Initiative: 2005/2006

Duration: 36 months

Free keywords: Topology, culture, networks, interdisciplinary, modeling movement, co-evolution, form, potentiality, markets, migration, technology, language, transformation, intensity, innovation, connectedness

The mathematical analysis of dynamics has opened up the possibility of innovative approaches to the study of culture, enabling not simply the numerical manipulation of cultural data, but offering tools, models and concepts for the understanding of the intensities of cultural change. The proposed Co-ordinated Action, A Topological Approach to Cultural Dynamics (ATACD) aims to provide an infrastructure for the sharing and consolidation of topological approaches to the study of cultural dynamics across disciplines. Put simply, topology is the study of structural invariance under deformation. What makes it especially useful in the study of cultural dynamics is that it captures almost everything in our intuition of continuity. And what makes it a distinctive approach to the study of cultural dynamics vis-à-vis other approaches to the study of culture is that it provides tools for the understanding of culture that are neither typological nor topographic. This means that it makes possible the study of:

1. cultural change as normal and immanent rather than exceptional and externally determined;
2. cultures as constituted in relations rather as having some essential properties;
3. cultures as intensive, not extensive, that is, cultures are defined by their possibilities for change rather than their size or location.
   

A topological approach to cultural dynamics thus provides a set of tools and concepts to think about different levels and kinds of change – learning, transmission, and innovation - as normal, relational and intensive. The approach is especially useful at the present time of rapid cultural change as it makes possible the study of values but avoids normative judgments.

It also provides a distinctive perspective on the questions of cultural predictability and innovation. Geometry has been understood as a perception of space that is to be actualized and repeated in the future. What topology offers to the study of cultural dynamics is a set of tools for thinking about the process of actualisation that is to do with possibilities rather than certainty. It offers a framework for the study of culture that is not to do with the measurement of fixed human properties and their extrapolation into the future but instead enables the problematization of events in terms of the potential they offer for change. It thus offers a complex model of predictability. The potential value of such an approach for the public perception and management of cultural change is profound.

Para más info, aquí.

Cartoficciones; Julian Oliver

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Cartofictions: Julian Oliver keynote, Inclusiva-Net, Madrid '08 from Julian Oliver on Vimeo.

Desde el blog de Fernández Pello.

Get lost; Artist map downtown New York

GET LOST is a collective portrait of downtown New York. Twenty-one international artists were invited to create a personal view of the city and draw a map of downtown New York, uncovering a territory that is both real and imaginary. The maps were collected in a fanzine publication that was distributed for free at galleries, not-for-profit institutions and other sites that animate the life of downtown New York.

GET LOST brings together fictional landscapes, utopian visions, private memories, and obsessive instructions to explore Manhattan, its past, present, and future.

An exercise in emotional geography, GET LOST sketches the coordinates for an endless drift across the streets and myths of downtown New York.

GET LOST is the city as seen through the eyes of: 16beaver group; Francis Alÿs; Cory Arcangel; Jennifer Bornstein; Beth Campbell; Marcel Dzama; Isa Genzken; Inaba and Associates; Dorothy Iannone; Chris Johanson; Christopher Knowles; Terence Koh; Julie Mehretu; Jonas Mekas; Aleksandra Mir; Thurston Moore; Dave Muller; William Pope.L; Lordy Rodriguez; Rirkrit Tiravanija; Lawrence Weiner.

GET LOST is a New Museum production, edited by Massimiliano Gioni, Director of Special Exhibitions. To view copies, visit the New Museum Resource Center. To purchase, visit the New Museum Store.

Beginning Wednesday, June 6, 2007, free copies of GET LOST were made available to the public at the following markers of the downtown scene and cultural organizations around the city: Opening Ceremony (35 Howard Street), Babeland (43 Mercer Street), Bowery Poetry Club (308 Bowery), The Bowery Hotel (340 Bowery), Congee Village (100 Allen Street), Lost City Arts (18 Cooper Square), Freemans Restaurant (Freeman Alley at Rivington Street), Two Boots (155 East 3rd Street), Patricia Field (302 Bowery), Screaming Mimi's (382 Lafayette Street), Joe's Pub (425 Lafayette Street), Artist's Space (38 Greene Street, 3rd Floor), The Kitchen (512 West 19th Street), Sculpture Center (44-19 Purves Street, Long Island City), The Rotunda Gallery (33 Clinton Street, Brooklyn), Bronx Museum (1040 Grand Concourse at 165th Street, Bronx), and the Bedford Cheese Shop (229 Bedford Avenue, Brooklyn). GET LOST was also distributed at the galleries of participating artists.

Para verlo completo, en Get Lost.

this is like; associative thinking

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ThisIsLike.Com – The associative knowledge network from Dee Mee Tree on Vimeo.

About This Is Like

This Is Like helps you connect ideas, people, and places through associative thinking.

On a deeper level it's a collaborative system of associations: people can add items, link them together, and share their associative knowledge with the others. This way, clusters of similar items are created, which are rated by the number of connections they have.

Our site has been called the "Last.Fm of travel" and "Wikipedia of associations", you could also call it the "pop" recommendation system. While our software is based on complex patent-pending algorithms and utilizes several advanced APIs (Calais is one of them), we do not follow the semantic web hype and instead focus on free associative thinking to invite people to share their knowledge and simply play.

Please, navigate these sections to learn more about ThisIsLike.Com:

• Concept – what's the main idea behind ThisIsLike.Com and how it's different.

• History – how it was created and what was the inspiration.

• Objectives – what our objectives and goals are (and it's not about taking over Google)

• Our Team – a complete profile on all the people behind ThisIsLike.Com

• Technology – no, we don't have huge TV screens and a fancy office like Wolphram Alpha.

• Business – how to promote your knowledge on this site.

The Map as Art: Contemporary Artists Explore Cartography

Maps can be simple tools, comfortable in their familiar form. Or they can lead to different destinations: places turned upside down or inside out, territories riddled with marks understood only by their maker, realms connected more to the interior mind than to the exterior world. These are the places of artists' maps, that happy combination of information and illusion that flourishes in basement studios and downtown galleries alike. It is little surprise that, in an era of globalized politics, culture, and ecology, contemporary artists are drawn to maps to express their visions. Using paint, salt, souvenir tea towels, or their own bodies, map artists explore a world free of geographical constraints. Katharine Harmon knows this territory. As the author of our best-selling book You Are Here, she has inspired legions of new devotees of imaginative maps. In The Map as Art, Harmon collects 360 colorful, map-related artistic visions by well-known artists—such as Ed Ruscha, Julian Schnabel, Olafur Eliasson, Maira Kalman, William Kentridge, and Vik Muniz—and many more less-familiar artists for whom maps are the inspiration for creating art. Essays by Gayle Clemans bring an in-depth look into the artists' maps of Joyce Kozloff, Landon Mackenzie, Ingrid Calame, Guillermo Kuitca, and Maya Lin. Together, the beautiful reproductions and telling commentary make this an essential volume for anyone open to exploring new paths.

Esta parte de la info desde aquí.

"The Map as Art," a new book edited by Katharine Harmon from Princeton Architectural Press, richly surveys today's artistic landscape and its relation to the map. Perhaps it's no surprise that the map has inspired artists throughout history. Today though, in spite of an interdepent globalized economy and hyperconnectivity brought about by the internet, cartographic identity runs strong.

For anyone who's ever gotten lost in the pages of a AAA road map or daydreamed of faraway places while spinning a globe, "The Map as Art" offers ample opportunity for fascination. Divided into a series of thematic chapters—Conflict and Sorrow, Global Reckoning, Personal Terrain, Inner Visions, etc.—the book charts the myriad ways artists use the map as a tool for investigating notions of identity, political allegiance, economy, the environment and more. Several essays by Gayle Clemans expound upon these themes through a deeper critique of work by artists Joyce Kozloff, Ingrid Calame, Guillermo Kuitca and Maya Lin.

Y esta otra, desde aquí.

Dream of art spaces collected

En el evento genial que estuvimos invitados a participar BarraDiagonal unos días atrás, MODIFI, pudimos conocer entre otros muchos proyectos interesantes, la iniciativa Dreams of Art Spaces Collected. Desde la página de Dorothee Albrecht (una de las componentes del proyecto), una pequeña reseña:

Dreams of Art Spaces Collected investigates visions and experiences in exhibiting and mediating contemporary art starting with Europe, China and Australia, collecting various perspectives from artists, non profit project spaces and artist run initiatives. The research is based on extensive video interviews with practitioners, artists, art curators and theorists. It’s an open collection of video interviews, but also of images, publications and links.

(...)

Un poco más desde la página del propio proyecto:

DREAMS OF ART SPACES COLLECTED emerged as an artistic research project by the artists Dorothee Albrecht, Alf Löhr, Andreas Schmid and Moira Zoitl for the Internationale Gesellschaft der Bildenden Künste (IGBK), Berlin in 2007.

Their decision to focus on a collection of video-interviews naturally led towards an extension of already existing networks and experiences, starting from Australia, as Alf Löhr was based in Melbourne at that time, starting from China, as Andreas Schmid has been concerned with Chinese contemporary art since he studied in Hangzhou during the mid-80s, and starting from Europe, but more from the margins of Europe, along the interests of Moira Zoitl and Dorothee Albrecht. This parallel beginning seems very important in highlighting the networking character of the collection starting from different nodal points around the globe. It is conceived as a setout open to affiliation with other networks; an opportunity for the emergence of new networks between artists in different parts of the world.

Investigating visions and experiences in exhibiting and mediating contemporary art, the artists collected various perspectives of artists, curators and theorists with the emphasis on non-profit project spaces and artist run initiatives.

To initiate a conversation we used the following questions:

If you imagine the art space of your dreams. What’s it like? What is it supposed to do? How would you evaluate existing setups? What are the focus and the strategy of your space? What kind of audiences is your space trying to attract?

Seguir leyendo.

Para ver las entrevistas, aquí.

Las fotografías de archivo asaltan Flickr!

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Autochromes de la Galería de George Eastman House

Curious photo, autor desconocido, ca. 1880, Albúmina, GHE

Lo vengo observando desde hace un tiempo, pero ha sido el ínclito Pablo, desde su laboratorio en workroomfilms, el que me ha hecho reparar definitivamente en las proporciones de la cuestión. Hace años que las grandes colecciones fotográficas ofrecen en Internet una gran parte de sus fondos digitalizados, desde la sección Prints and Photographs de la Library of Congress, pasando por la veterana George Eastman House, hasta la Photography Initiative de la Smithsonian Institution. De esta forma se venían ofreciendo amplísimas colecciones de fotografías localizables mediante potentes sistemas de búsqueda avanzada. Son las herramientas a las que muchos hemos acudido para sentir el vértigo de aquello que se ha venido a llamar Internet Invisible o Web Profundo, y que no afecta únicamente a la información textual, sino que también contiene todas esas imágenes fijas y en movimiento que cada día inundan la web en mayor medida.

Pero hete aquí que algunas de estas instituciones que parecían dotadas de pies de plomo han decidido airear sus fotografías acudiendo a las herramientas específicas que para ello existen. El Archivo Nacional de Alemania acaba de donar 100.000 fotografías históricas a la Wikipedia; la revista Life se ha asociado con Google para hacer visibles sus fondos fotográficos; la George Eastman House y la Smithsonian Institution, por su parte, se han subido al carro de Flickr, y aunque lo que actualmente exponen a través de este servicio puede considerarse -en relación a la totalidad de sus fondos- apenas una pequeña vitrina o uno de esos escasos postaleros giratorios, hay que reconocer que han realizado una exquisita selección. Valga como ejemplo el delicioso álbum de autocromos de la GEH.

(...)

Aquí para leer el artículo completo e hincarle el diente a todos los links que propone, en la inagotable e ineludible maquinaria de la nube.

J.M. Bourgery's Atlas of Human Anatomy and Surgery

Mapping the human body

One of the most remarkable works in the whole history of anatomy: J.M. Bourgery's Atlas of Human Anatomy and Surgery


A monumental work of the 19th century

Anatomical knowledge was for a long time limited to data gathered from the dissection of animals by Galen (c. 130 - c. 200), a Greek physician who practised in Pergamon and Rome, and whose influence was considerable right up until the 16th century. In the Middle Ages, the only work on anatomy truly worthy of the name was that of Mondino dei Luzzi (c. 1275-1326), written in 1319 and titled Anathomia; taking up the data of Galen, he made some interesting observations on the basis of human dissections he had undertaken in 1315. These works were disseminated in the form of manuscript copies and were very sparsely illustrated. With the invention of printing by Johann Genfleisch, alias Gutenberg (pre-1397-1468) in about 1450, the dissemination of knowledge was to increase by leaps and bounds. The so-called incunabula, in other words works printed before 1500, include the first edition of the Anathomia of dei Luzzi, printed in 1478. The anatomical drawings of Leonardo da Vinci (1452-1519), 228 handdrawn plates of incredible scientific quality, occupy a very marginal place, because they were never edited and were ignored by the scholars of the day. Published for the first time in 1898, they had no impact on the development of the subject. In 1543 the work by André Vésale (1514-1564), De humani corporis fabrica, was published in Basle; it is indisputably the most outstanding book in the whole history of anatomy both in respect of its concept and of its aesthetic qualities. The publication of this work represented a veritable scientific revolution, providing a new vision of Man by replacing Galen's speculative studies and his extrapolations from animal anatomy by systematic dissections of the human body. Vésale's work comprises 25 superb plates separate from the text, and numerous figures within the text, all of them woodcuts, probably the work of Jan Stephan von Calcar, who belonged to Titian's circle. This book, of which a second improved edition appeared in 1555, and which went through several more, had a considerable impact and was copied by numerous authors.

La primera imagen que nos lanzó en la busqueda de este maravilloso Atlas of Human Anatomy and Surgery (re-editado por Taschen) la encontramos ilustrando la portada del fabuloso libro El rival de Prometeo, Vidas de autómatas ilustres con una edición deliciosa muy cuidada a cargo de la no menos fabulosa Marta Peirano.

Japanese anatomical charts

En morbid anatomy tienen una muy buena colección de imágenes en torno a la cartografía del cuerpo, cómo este ejemplo de una entrada sobre imágenes de anatomía japonesa. Más aquí, aquí y aquí.

Hereford Mappa Mundi 1300

El mapamundi de Hereford es un mapa de T en O que data de aproximadamente el año 1300. El mapa está firmado por un tal Richard de Holdingham o Lafford. Dibujado en una sola hoja de pergamino de 158 por 133 centímetros. Escrito en tinta negra con añadido de rojo y oro, y azul o verde para el agua (con el Mar Rojo pintado de rojo).

El wiki sobre mappa mundis nos está nada mal y además aparecen unos mapas preciosos como el de Hereford arriba o los de Al-idrisi y de Beato de Liébana.

Archivo Jaime Eyzaguirre / Trabajos de utilidad pública

Durante el año 2005 y 2006 ejecutamos un proyecto de intervención del espacio público en la Villa Jaime Eyzaguirre, llamado Proyecto Fachada (ver revista catálogo). Este trabajo nos permitió experimentar y explorar ciertas relaciones entre el arte, el espacio público-poblacional y los habitantes del lugar, entrelazando sus contenidos y produciendo resultados visuales interesantes de analizar, en tanto operan en un registro que cuestionó prácticamente los límites que separan arbitrariamente la acción de arte de lo social, toda vez que la “obra” aparece en la lectura que el observador hace del conjunto de huellas inscritas en un territorio con sus habitantes, situando la acción plástica como un mecanismo a través del cual se observa, dialoga e influye el trabajo plástico del habitante, la construcción de su real cotidiano. Esta red, compuesta de historia poblacional, acción plástica, conversación vecinal y la mutua confianza creada, actúa como el soporte que permite proyectar esta segunda etapa, y por ende, entender ese primer proyecto, como un acto de aproximación que reconoció en la historia vecinal la fuerza movilizadora-aglutinante capaz de re-establecer los vínculos de colaboración, participación y acercamiento entre la comunidad y su hábitat, proceso indispensable, para la ejecución de este nuevo emprendimiento. Lo elaborado, activado y conocido en dichas circunstancias nos permite hoy proponer un trabajo plástico que esta vez articula los conceptos de archivo - espacio - objeto - dinámica poblacional y acción plástica como ejes del gesto de apropiación pública que moviliza la “obra”.

(...)

Para seguir leyendo, ir al archivo de Jaime Eyzaguirre, en la muy interesante Trabajos de utilidad pública.

Ignacio Uriarte/ archivadores en archivo

En esta estantería de archivo, los archivadores se mueven solos, formando diferentes patrones y ritmos.
Primero recrean sus movimientos habituales, luego desarrollan coreografías más complejas y lúdicas que logran romper la estaticidad del mueble.

Obra de Ignacio Uriarte, un trabajo con un sentido del humor muy fino. Para ver el vídeo, ir aquí.
Actualmente se puede ver en la exposición Zweckgemeinschafft en Berlin..

Eadward Muybridge meets Mike Patton/ A Jerrold Ridenour Mash up

Documentos desactivados

A propósito de "En los márgenes del arte. Creación y compromiso político" en el Centro de Estudios y Documentación del MACBA.

por MONTSE BADIA

(...)
Una exposición documental puede ser el lugar o el formato capaz de redefinirse, de ser audaz y arriesgada, de mezclar, superponer y contraponer con más libertad y menos restricciones que las piezas de una colección, por ejemplo. Hace tiempo que la investigación ya no sucede sólo en bibliotecas silenciosas y que los archivos y los documentos no son sólo para especialistas, todo depende de la manera en que sean presentados y en que se ofrezca el acceso a ellos.(...)

Leer artículo completo en A-desk.

Aspects of implicit and explicit human interactions with ubiquitous geographic information / Fabien Girardin

A thesis submitted by Fabien Girardin for the degree of Doctor of Philosophy in Computer Science and Digital Communication at the Universitat Pompeu Fabra, Barcelona, Spain.

Abstract. The increasing use of mobile devices, wireless infrastructures, and the Internet is changing our daily lives, not only in the way we communicate with each other or share information but also how we relate to the environment. Through our interactions with these technologies we access and generate an informational membrane, hovering over the spaces we live in and visit. However, this information layer only imperfectly models the reality due to coarse digitization and technological limitations, challenging the human interaction. On the other hand, the presence of this user-generated ubiquitous geographic information opens novel perspectives in understanding human activities over space and time. This thesis takes on the challenge of exploring these aspects of human interactions with ubiquitous geographic information. Through qualitative and quantitative lenses, we discern the implications of the integration of ubiquitous geographic information and the resulting users strategies to cope with spatial uncertainty. Then, we exploit this contribution to explore novel approaches to infer individuals and groups time-space activities with respect to their privacy. We demonstrate the applicability of our solutions in the domains of market research and urbanism.

Content - full thesis

1. Introduction
2. The generation and user perception of uncertainty in ubiquitous geoinformation
3. The appropriation of ubiquitous geoinformation
4. The human implicit interaction with wireless infrastructures as source of travel detection and survey
5. User-generated ubiquitous geoinformation as evidences of tourist dynamics
6. Digital footprints as evidences of urban attractiveness
7. Discussion and perspectives
8. Bibliography - pdf - bibtex

Más en su tésis.

Bola extra:

Contra el mapa / Estrella de Diego

Contra el mapa
Disturbios en la geografía colonial de Occidente
Estrella de Diego
La Biblioteca Azul serie mínima. 20.
Rústica
Arte, estética




En 1929 la revista Variétés publicaba un insólito «Mapa del mundo en la época de los surrealistas», cuya cartografía dislocada, de fronteras sorprendentes, anunciaba otras futuras puestas en cuestión de las prácticas narrativas consensuadas en nuestra cultura. Y es que transgredir el mapa equivale a revisar el mundo, porque el mapa no es sino el producto de cierto diseño «a la carta» que se propone e impone desde el poder. El cartógrafo no es el ser ausente y omnisciente que ha tratado de presentar la tradición: la geografía es combativa. Siguiendo el rastro de las cartografías codificadas, el presente libro plantea el uso de los mapas entre los artistas actuales como un arma arrojadiza contra las narrativas impuestas y sus trampas, implícitas y heredadas. Se trata de abordar el análisis de las metáforas espaciales, mostrando la imposibilidad de que puedan presentarse como formulaciones neutrales, apolíticas.

Desde Siruela.


Estrella de Diego, profesora de arte contemporáneo, ha escrito Contra el mapa, un breve y atinado ensayo donde suscita inquietantes preguntas acerca de la dudosa neutralidad de los mapas, o como subtitula su ensayo, Disturbios en la geografía colonial de Occidente. Agarrada de salida al mapa del mundo revolucionado por los surrealistas en 1929 o directamente girado en el cono sur para hacer de éste el norte, por Joaquín Torres García en 1935, los mapas son instrumento de poder, discurso justificador de fronteras, instrumento al servicio de los nacionalismos en afanosa tarea de colección de informaciones, dominio de conocimiento. Y contra ello, algunas contra representaciones artísticas. Espacio asociado al poder, control, la geografía y los mapas como escritura de la tierra. No he podido dejar de acordarme de Dersu Uzala, mientras veía recuerdos de niños retratados junto al mapa de la escuela, echados junto a un estático globo terráqueo. Cartografiar, representar, dar por bueno, sería la secuencia oficial en palabras de Smith y Katz.

Las reescrituras del espacio, el paseo casual de los surrealistas a la psicogeografía de los situacionistas, frente a las representaciones y convenciones, son algunos de los ángulos críticos del mapa como seña de poder que desgrana Estrella de Diego. De los globos de bolsillo a las fronteras artificialmente trazadas – ¿acaso pueden ser marcadas de otro modo? -, al mapa como dirección o distancia, ¿O, el viaje puede ser la simple intención de recorrerlo, una dirección abstracta que se persigue vayamos donde vayamos o una dirección concreta que basta con interiorizar? Leyendo esta sentencia del libro me sentí en mitad de la nada o de todo, tal vez esto último, es decir, en pleno desierto y busqué en mi mapa sentimental –Carte de Tendre, Empire of Love-, caminando en Asia y masticando una nueva afirmación del viaje cartografiado en otro continente, “en África la dirección nunca es abstracta, es cada vez la dirección hacia la tierra natal” reconocí finalmente a Urga.

Desde Oleopolis.

The Surrealist Map of the World (1929)

Just as light is not supposed to bend, so the Equator should not waver from its rectitude. The fact that it snakes across this map like a hose through a garden indicates that this is a very weird world indeed.

How weird? A first indication is the size of Alaska – way too big even if you allow for the distortion of the Mercator projection, which is also ballooning Russia to a size much bigger than its already huge actual surface, but this super-sized Russia is not out of line with accepted mercatorial deviance.

Closer inspection of the American continent reveals a gigantic Labrador, bordering on Mexico, to which is appended an atrophied version of South America. Not just atrophied, but completely missing are the United States and Canada (not to mention all other Central and South American countries, save Peru, which takes up all of its subcontinent).

Two para-American islands are affected by gigantism: Easter Island, which looks like a teddy bear pointing towards Peru, and Tierra del Fuego, at the southern tip of the Americas, looking like a lizard running west… the low resolution of this image leaves much to the imagination.

Asia and Oceania are similarly blighted by gigantism (Hebrides, New Guinea and an illegible archipel, China and Afghanistan) dwarfism (Australia, India) and not-there-ism (Japan, Sri Lanka, much of the Middle East).

Africa is tiny, Europe is almost entirely covered by Germany, Ireland is looking straight at Europe across the Britain-less North Sea. Only two cities are marked on the map: Paris and Constantinople…What’s the point of this map? Well – its point is that it hasn’t any, except to bewilder and shock bourgeois viewers by presenting a bizarre alternative to the stale normality of their expectations.

Which is a neat summary of the surrealist world view – not co-incidentally, the title of this work is Surrealist Map of the World. It first appeared in 1929 in a special issue of ‘Variétés’, a Belgian magazine, dedicated to surrealism – an art form remembered for its absurdity, but less for its political views.

In discussing this map in her excellent book You Are Here, Katharine Harmon quotes a Surrealist manifesto from 1925:

“Even more than patriotism – which is a quite commonplace sort of hysteria, though emptier and shorter-lived than most – we are disgusted by the idea of belonging to a country at all, which is the most bestial and least philosophic of the concepts to which we are all subjected.. Wherever Western civilization is dominant, all human contact has disappeared, except contact from which money can be made – payment in hard cash.”

This map was found here.

Desde el muy interesante Strangemaps.

MY MAP IS NOT YOUR MAP / seminario en Arteleku

“!Mi mapa no es tu mapa!”

La frase “¡mi mapa no es tu mapa!” puede ser pronunciada principalmente de dos modos: con un tono de estrañeza, por ejemplo en el marco de una visita turística, al comprobar que el mismo espacio no está organizado del mismo modo en el mapa de quien nos acompaña. En este momento la siguiente reacción podría ser del tipo “¿Cuál es el mapa correcto, nos habremos perdido?”.

El segundo tono que podríamos utilizar para pronunciar “¡mi mapa no es tu mapa!” sería más severo o agresivo, una reafirmación que reclama una visión del espacio que otros no comparten, por ejemplo, en el contexto de los territorios palestino-israelí.

Introducción general al seminario

Estas disciplinas no se centran en el desarrollo de precisas tecnologías de posicionamiento y mapeado, sino en transformar el sentido y el contexto de ese posicionamiento. Se preocupan por describir el espacio físico no sólo mediante geografías objetivas sino también relativas, partiendo de la concepción de que un lugar nunca llega a ser ni puramente cartesiano ni puramente psicogeográfico.

Los artistas e investigadores de este seminario destapan estas desorientaciones sociogeográficas para inventar y jugar con nuevas cartografías e interfaces de localización. Son tecnologías y tácticas que recuperan el sentido de navegación como búsqueda trascendente y que transforman nuestra percepción del territorio, redibujando el mapa que lo describe con las huellas sociales ignoradas por las fotografías de satélite.

Atendiendo a este panorama de conflicto en la representación del territorio con nuevos medios, el seminario centrará el debate en estas cuestiones específicas:

· Estrategias, herramientas y ejemplos de remapeado subsersivo.

· Evidenciando, explotando o conciliando discrepancias en el mapeado colaborativo de Internet.

· Alterando la percepción del entorno físico: tácticas e interfaces híbridas.

Una cita ineludible para los interesados en las estratégias desde la cartografía con conferencias y talleres en este seminario.

Toda la info en Arteleku.

RELECTURA Y APROPIACIÓN / Nacho Paris

Relectura y apropiación: cuando la creación está amenazada por la legalidad.
Nacho París

“Quizás son aquellos que apoyan la legislación de la representación y la privatización de la lengua los que están bajo sospecha; quizás son las acciones de los plagiarios, en unas determinadas condiciones sociales, las que más contribuyen al enriquecimiento cultural.”
Critical Art Ensemble. The Electronic Disturbance

“Nada es simple y menos el hurto”
Orson Welles. F for Fake

Introducción

Este texto viene a defender la necesidad de desarrollar una visualidad crítica (tanto en la creación como en la recepción) capaz de construir una “imagen política” que. desde una cierta subjetividad visual, y situando su quehacer en un ámbito no necesariamente estético, contribuya a discutir, cuestionar o desvelar los aparatos de poder, los discursos dominantes, las industrias de producción del arte, de la información, de las imágenes, y del pensamiento… así como las razones económicas e ideológicas que gobiernan nuestro sistema cultural, y que deciden lo visible y lo no visible, y cuyo destino es, en definitiva, controlar nuestros procesos mentales y nuestros modos de interpretar el mundo. Una imagen política en cuyo desarrollo, los procesos de apropiación –que releen y descodifican las producciones culturales de todo tipo– tendrían un valor central como estrategia de contestación a las condiciones de globalización mediática que sufrimos. Entenderemos la apropiación, no como un robo, si no como el reciclaje, la reutilización, la revisión, la cita el plagio o la tergiversación… como una táctica creativa que en determinado grado es inherente a cualquier proceso expresivo; una forma de trabajo que según terminología usada por E. Bonet en la definición del Archival Art Film (“La apropiación es robo”) es en cierto modo ecológica (en cuanto que ahorra recursos, al emplear obras, imágenes textos o fragmentos ya creados), y dialogante (ya que establece un intercambio con el entorno cultural heredado), pero sobretodo imprescindible, hoy por hoy, cuando el discurso dominante se impone por su ubicuidad y permanente presencia. Y es desde esta perspectiva –la de la apropiación como estrategia de creación, y no tanto como movimiento artístico posmoderno– desde la que este texto se ocupará del tema.

Pero si –y al paso que vamos es lo más probable– cualquier operación de este tipo fuera declarada ilegal en virtud de unos mal entendidos derechos de autor y de propiedad intelectual (dos conceptos “autoria” y “propiedad” que a pesar de lo arraigados que están en la sociedad es necesario revisar continuamente, relativizar y discutir) entonces, y aquí es cuando cobra sentido la cita de O.Welles que encabeza este escrito, habrá que recurrir a la ilegalidad. Y la propuesta “debordiana” del detournement como una tergiversación, una “desviación criminal” del sentido de las imágenes y los textos, destinada a sustituir al arte, se convertirá en una profecía. Porque lo paradójico del asunto es que las industrias del ocio y de la cultura, que están construidas fundamentalmente sobre la cita y la apropiación, pretenden limitar el uso de la relectura de imágenes monopolizando así el sentido de las interpretaciones sobre cualquier producto cultural. Así que hoy, como dice Lawrence Lessing 1: “para criticar o construir a partir de la cultura que nos rodea, uno tiene antes que pedir permiso, como si fuera Oliver Twist. Este permiso, por supuesto, se concede a menudo —pero no tan a menudo a los que son críticos o independientes.”

Sigue leyendo en Witzseclau.

La disertación como obra / Guadalupe Aguiar

Disertación de artista. Walid Raad en La Universidad Politécnica de Valencia*1 .

por Guadalupe Aguiar

(publicado en Nonsite)




La copa de agua, la disposición de las sillas, el momento de la presentación, los agradecimientos, las preguntas del público, los silencios incómodos previos, los clichés del orador, las fallas técnicas de audio o imagen, todo ello hace que a nadie le quepan dudas: estamos asistiendo a una disertación. Y Walid Raad*2 se encarga de remarcárnoslo. Asistir a una disertación de Raad es ser parte de una de sus obras.

Nos cuenta que, desde hace algunos años, debe enfrentarse periódicamente a dos evidencias. La primera: que le piden más a menudo hacer disertaciones sobre su obra que participar en exposiciones. La segunda: que la cantidad de documentación que posee sobre su producción es significativamente mayor que el volumen de la obra en sí. Esto, lo sabemos, le ocurre a un gran número de artistas contemporáneos. El discurso oral y el registro documental de hechos artísticos tiene hoy una fuerza que se alimenta no tanto ya -o no sólo- de la espectacularización del mundo sino de la manera en que las instituciones universitarias asumen el rol de “formadores de artistas”.

Es allí donde Raad encuentra sus intereses, y se vale de su propia experiencia como artista-contemporáneo-en-el-mundo-occidental para encauzarlos. Lo que se propone Walid Raad no es hacer una disertación sobre su obra artística, sino que la propia disertación se convierta en obra.

sigue leyendo en Producir inconsciente.

Conflux festival

The Conflux Festival is the annual New York festival for contemporary psychogeography. It is a three-day event that promotes the intellectual and artistic investigation of everyday urban life though emerging artistic, technological and social practices. Over the past five years, the festival has grown into an international art event with a global reach and a reputation for presenting cutting-edge artistic work within the realm of public-space arts.

For a few days each September, Conflux transforms the city into a temporary laboratory for creative experimentation and action. Past Conflux works and events have included mapping projects, high-tech mobile public space interventions, artist-facilitated walking tours, public installations, interactive performances, bike and subway expeditions, workshops, lectures, film programs and live music performances.

Conflux is attended by people with a common desire to understand, explore, celebrate, and improve the urban environment. Conflux visitors are introduced to strategies for utilizing performance, visual art, and music to address the environment, sustainable development, the increased presence of technology in cities, emerging trends in social/local networking, and ways to encourage community dialogue and humanize the urban experience.

Para saber más sobre Conflux festival.

Código Fuente: la remezcla / Zemos98

¿Qué pueden tener en común un escritor surrealista con un DJ? ¿Qué relación hay entre un wiki y la literatura de vanguardia? ¿Puede ser un libro un software re-programable? ¿Puede contarse una historia y conceder al lector el código fuente para que este la remezcle?

Código Fuente: la remezcla es un anagrama, porque todos los elementos existen en una relación simultánea, por ello en su interior nada es primero y nada es posterior, nada es futuro o pasado, nada es viejo y nada es nuevo.

Código fuente: la remezcla es un juego. Un juego como experimentación, como inmersión entre las intersecciones entre ensayo y error, como variaciones de lo imprevisto, como tropos de lo posible, como ejercicio para recordar el futuro.

Código fuente: la remezcla como aleph insuficiente. Aleph porque intenta abarcarlo todo, insuficiente porque es un imposible asumido de antemano. La remezcla y su código fuente son un bucle que tiende a infinito, nuestro libro ralentiza por momentos el scratch, lo detiene como un elástico a punto de lanzar una piedra y lo suelta como una sinapsis digital.

(...)

Las cuestiones versan principalmente en torno a las ideas eje de los Encuentros: archivo y memoria, remezcla y palimpsesto. Cuestiones que colaboran a expandir el debate en torno a “lo nuevo” y “la cultura libre”, sobre ready-made y material encontrado, sobre apropiación y falsificación, sobre collage y montaje, sobre cita y remix, como conceptos clave en las artes audiovisuales más experimentales; sobre el montaje como palimpsesto de significados, el remontaje como operación creativa fundamental y como “instrumento susceptible de permitir la fagocitación de todo tipo de materiales” y como una búsqueda de producción de sentido como Harun Farocki apunta.

Pero también sobre cuestiones en torno a la sociedad network, en torno al uso cultural de los nuevos medios en la que algunos consideran la época post-media.

Descarga Código fuente: la remezcla en PDF.

Más en grand masters Zemos98.

The internet is vast. Bigger than a city, bigger than a country, maybe as big as the universe. It's expanding by the second. No one has seen its borders.

And the internet is intangible, like spirits and angels. The web is an immense ghost land of disembodied places. Who knows if you are even there, there.

Yet everyday we navigate through this ethereal realm for hours on end and return alive. We must have some map in our head.

I've become very curious about the maps people have in their minds when they enter the internet. So I've been asking people to draw me a map of the internet as they see it. That's all. More than 50 people of all ages and levels of expertise have mapped their geography of online.


La página, el flickr .

Encuentro está información en Microsiervos:

" Kevin Kelly, uno de los fundadores de Wired, se le ocurrió que podía ser interesante pedirle a la gente que dibuje como ve Internet en su mente -a nivel conceptual, no técnico- así que ha creado un PDF que puedes descargar [28 KB], pintar en él tu mapa de Internet, y enviárselo para que lo cuelgue en el correspondiente álbum de Flickr, tal y como explica en The Internet Mapping Project."

Los resultados, asociados al concepto de "cómo tu cabeza imagina Internet", me parecen buenísimos (si se miran en Flickr, son mejores, para mí, los de la primera página que los de la segunda, menos fresca, más profesionalizada), tanto plásticamente, porque esos dibujos me encantan, como por lo que denotan: una buena parte de los dibujantes se representan a sí mismos como El Centro de La Red, una mezcla, puesta al día, del clásico renacentista "el hombre es la medida de todas las cosas", y el clásico romántico "yo soy el centro de todas las cosas". En esa misma línea, es curioso que muy pocos pongan como fuente principal de sus dibujos a una gran compañía (por ejemplo, Google, Yahoo).

Hay todo tipo de visiones: abstractas, informalistas, cartesianas, paisajísticas, propiamente técnicas (Red Potencia Inversa), fancineras, sin centro (tipo Expansión del Universo o algo así), minimalistas, tipo gag, otras que me recuerdan a la "Teoría de Bolas Abiertas" de Nocilla Experience, etc.

Súper creativas. Me he pasado horas mirándolas. Proporcionan muchas ideas de representar, no ya la Red, sino muchas otras cosas.

Desde el hombre que salió de la tarta.

Unbook o el libro inconcluso / Carlos Guyot

Jay Cross se dedica desde hace más de 30 años a los sistemas de aprendizaje informal y, desde que existe, a la creación de comunidades que permiten las herramientas de la web 2.0. Dave Gray fundó hace más de 15 años Xplane, una compañía especializada en "visual thinking", es decir, el diseño de información a partir del pensamiento visual. Ambos crearon hace pocos meses el concepto unbook (por "unfinished book") que podría traducirse como libro-inconcluso. "La fuerza detrás de la idea -explica Gray- reside en la velocidad con que avanzan los cambios culturales y la incapacidad del circuito tradicional de edición de libros para mantenerse actualizado". Si el libro es un objeto terminado por su autor que puede ser ligeramente actualizado en sucesivas ediciones, el unbook (unbook.com) es un libro de contenido abierto que puede ser continuamente mejorado por su comunidad de lectores en sucesivas versiones. "Se parece más a la creación del software -puntualiza Cross-. El unbook nunca está terminado, se actualiza según las necesidades y aportes de su comunidad de lectores, que son la pieza clave del libro".

El objetivo según sus propios autores es acortar la distancia entre la idea y el objeto, y al mismo tiempo, permitir la evolución constante de un objeto que mejora versión tras versión. "El libro se convierte en una sesión de jazz, participativa, en movimiento, con un ritmo que le permite generar nuevas ideas, formas y senderos", concluye Cross.

Gray y Cross han llevado el concepto a la práctica, y en el sitio unbook.com ofrecen unos veinte libros de diversos autores escritos con esta metodología. Algunos son gratis, pero la mayoría puede comprarse en versión digital o papel por entre US$ 7 y 12.

La idea es una de las pocas que se concentra no en el formato final del libro (papel/digital) sino en su producción, incorporando el concepto desarrollado originalmente por la wikipedia: la creación colaborativa genera valor y sentido si sigue una determinada metodología.

El poeta finés Teemu Manninen( www.booksfromfinland.fi ), al comentar el proyecto en su blog, escribió el siguiente anhelo: "Acaso el unbook recupere el aura perdido por la reproducción técnica del que habló Walter Benjamin".

Desde Do-cumenta

Found footage

Para ver la filmografía de Isaki Lacuesta.

Bola extra sobre el tema:
The Atomic café (1982)

Directed by
Jayne Loader
Kevin Rafferty
Pierce Rafferty


Más info sober la peli en IMDB

Las múltiples imágenes que se construyen en la actualidad podrían adquirir mayor valor en el futuro al ser recuperadas por otros, estos nuevos sujetos podrían desear construir una historia propia a partir de fragmentos del pasado, o revisar una cultura y un modo de producción de imágenes del cual se toma conciencia con el paso del tiempo. Los registros antiguos suelen provocar cierta nostalgia histórica sociológica, esta sensación es la que se produce al observar el cine creado a partir de archivos encontrados (found footage films). Este “movimiento” toma la idea de pensar el cine como arte del presente pues recupera material antiguo, lo actualiza potenciando principalmente su forma y haciéndolo conservar su valor de archivo- lo que no implica que las imágenes preserven su sentido original-. Los archivos encontrados vienen de distintas fuentes: películas históricas, pornográficas, familiares, imágenes televisivas, etc… independiente de su clasificación inicial, desde el descubrimiento de ellas por el realizador todas corresponden a materiales potencialmente utilizables. Los lugares en los cuales son rescatados también varían, algunos son archivos de filmotecas, de familias, bibliotecas, mercados e incluso películas encontradas en la basura.

(...)

Continuar leyendo.

El orden del discurso / Foucault

Foucault, Michel - El Orden Del Discurso

L'Encyclopédie de Diderot et d'Alembert

A partir del blog imprescindible la maquinaria de la nube, en un artículo sobre el uso creativo de las imágenes del archivo, encontramos el link a la muy interesante L'Encyclopédie de Diderot et d'Alembert.

Miles de imágenes para utilizar aquí.

La Arqueología del saber / Foucault

La Arqueología del saber , Foucault

Procesos de archivo

Procesos de archivo ensaya formas de abordar la construcción de un archivo en el contexto de una institución concebida a partir de las ideas de proceso y participación. Las propuestas artísticas que van formando parte del proyecto son archivos vivos que recogen y dan a conocer la memoria colectiva local, la memoria del propio lugar -de Matadero-, así como las experiencias que han dado cabida a distintos públicos en Intermediæ. Pasado, presente y futuro se combinan en las propuestas que acoge la plataforma Procesos de archivo, por el momento:

— MUSEUM FUTURES: DISTRIBUTED
Neil Cummings en colaboración con Marysia Lewandowska
Hasta el 30 de septiembre

— FUTURE ARCHIVE
Manuela Zechner y Valeria Graziano
Punto de acceso en la plataforma Procesos de archivo
www.futurearchive.org

— CORTE ARGANZUELA
Cía Puctum / Proyecto escénico de teatro documental
Instalación en la plataforma Procesos de archivo
www.puctumteatro.com
Blog Corte Arganzuela

INTERMEDIÆ BLOG

Más por acá.



Y con una pinta estupenda cómo se plantearon las mesas de trabajo según nos lo cuenta Neil Cummings y lo podemos ver en todo lo recogido en el proceso de trabajo en Intermediae:



Algunas notas sobre las reuniones.

NOTA 1

Es habitual que las instituciones culturales se enfrenten al problema del "archivo" dada su relevancia en los debates actuales.

Lo más interesante de la relación de esa inmersión del archivo en el mundo del museo es que siempre estuvo ahí. Y como siempre ha estado ahí, contiene en si mismo la mayor parte de los problemas de los que "hablamos": ya se encuentran incorporados en la herramientas conscientes e inconscientes que todo museo ha utilizado para construir sus representaciones de la práctica artística y cultural que ha llevado a cabo durante siglos.

¿Son menos "conceptuales"esos archivos? Pues han contribuido bastante a crear las categorías del arte y a menudo a construir la mirada y pensamiento sobre él.

Registros Imposibles: El mal de archivo

XII Jornadas de Estudio de la Imagen de la Comunidad de Madrid: Registros Imposibles: El mal de archivo

Directores:

Beatriz Hérraez
Sergio Rubira

Estas jornadas pretenden ser un espacio de estudio y debate en torno a los distintos modos de articular lo real mediante sistemas de clasificación, tanto en el pensamiento como en las artes visuales. Se tratarán desde los conceptos de “arqueología del saber” de Foucault y “mal de archivo” de Derrida, hasta la revisión de las identidades nacionales fijadas a través de imágenes documentales, pasando por la creación subjetiva de espacios de la memoria y el saber.

Acumular, clasificar y catalogar son acciones que fueron calificadas de objetivas y neutrales –como las imágenes fotográficas y videográficas en sus inicios–, aunque su capacidad para registrar y ordenar lo real se entiende hoy como limitada. El archivo es un método que pretende aprehender la realidad y sistematizar el conocimiento pero que se demuestra inabarcable e interminable. Un procedimiento que nace de las barreras de la memoria, una forma de resolver nuestra incapacidad para fijar el recuerdo y construir la Historia, un relato que hoy ya no puede considerarse único, sino múltiple, muchas historias, tantas como miradas.

Distintas ponencias, debates, un Forum y la exposición Canal Abierto son las actividades que conforman las Jornadas, que intentan ser un lugar de discusión y reflexión alrededor de un asunto fundamental en la configuración del sujeto contemporáneo.

Más info y programa aquí.

Doropædia

Qué es la doropædia?

La Doropædia (“la enciclopedia dorada”) es una publicación cuatrimestral de mini-CDs coleccionables en formato digipack de 3” con canciones, textos y contenidos multimedia y de artes plásticas que recogen a modo de monográficos distintas impresiones en torno a un concepto. Los contenidos de cada monográfico serán encargados para la ocasión a los participantes, que serán invitados a colaborar en función de la relación que mantengan con el tema propuesto.

¿Por qué una “enciclopedia”? Encontramos adecuado para la consecución de los objetivos expuestos el formato enciclopédico tal y como lo describió irónicamente J.L. Borges en su ensayo “El idioma analítico de John Wilkins”: los proyectos enciclopedistas, a pesar de su vocación de definir la totalidad de los objetos del mundo, no son sino una colección más bien arbitraria de categorías, términos y acepciones que acaban siendo el mero reflejo de las experiencias y el pensamiento de una época.

Esta visión crítica del enciclopedismo es al mismo tiempo la que le da valor al proyecto de la Doropædia: rechazada la ambición de dar definiciones objetivas, queremos reunir en números monográficos diversos puntos de vista sobre unos mismos conceptos abordándolos por una serie de participantes desde disciplinas o inquietudes distintas.

Cada una de las Doropædias irá acompañada de una ristra de actividades (conciertos, conferencias y mesas redondas) sobre cada una de las temáticas propuestas que acabarán por confirmar todo el bloque de visiones resultantes.

Asimiso y desde esta web se podrá seguir todo el proceso de elaboración de cada doropaedia desde su blog y foro, a la par que servirá de cajón de sastre donde se iran acumulando todas las posibles acepciones que vayamos reuniendo, tanto las que estén dentro del mini CD como otras que queden fuera para consulta online.

Para consultar más aquí.

Exposición Culturas de archivo

19/9/2000 - 22/10/2000

Culturas de archivo

www.culturasdearchivo.org

Jorge Blasco (comisario), Nuria Enguita Mayo (comisaria)

Con Daniel G. Andújar, Lluís Codina, Jean-Luc Godard, Nicolas Malevé, Basilio Martín Patino, Montserrat Soto (fotógrafo)

Organiza Fundació Antoni Tàpies, Barcelona

Itinerancia

19/9/2000 - 22/10/2000, Fundació Antoni Tàpies, Barcelona

5/2/2003 - 15/3/2003, Sala de Exposiciones Abrantes, Universidad de Salamanca y Servei de l’Àrea Cultural de la Universitat de València

Gran parte de la reflexión estética del siglo XX ha estado dedicada a las condiciones de recepción de los productos y las actuaciones del ser humano. La relación fundamental entre el archivo y el museo es su calidad de receptáculo de objetos de interés, con independencia de su soporte.

Pero también es esa la gran diferencia: en potencia, el archivo lo contiene todo sobre la parte de realidad que representa, en tanto que el museo hace pública una selección de la realidad y la acoge en sus salas. Si la creación de portales, pretextos y ordenaciones del acceso al objeto del interés humano es la forma que tiene la cultura occidental de comprender, organizar y poseer su realidad -o la ajena-, el siguiente paso será su utilización como soporte en sus narraciones, tanto documentales como de ficción. Esto elimina la frontera aparente entre la creación del documento, su exposición en cualquier medio y sobre todo, entre la realidad, el relato y la ficción.

Culturas de archivo plantea una reflexión en torno a la problemática del archivo y su repercusión en las formas de acceder a la información y al conocimiento. Es un recorrido por varios momentos de la cultura y el arte contemporáneos centrado en los modos y los procesos de narración de la realidad que el archivo genera. La muestra abarca diferentes aspectos de esta dialéctica entre la producción y la exposición del documento desde su hallazgo hasta su publicación. Refleja parte del debate sobre su condición represora, a la vez que muestra la intervención directa de narradores y artistas con intenciones narrativas no marcadas por el positivismo subyacente a todo archivo.

(...)

El archivo de represión totalitaria; el repertorio fotográfico para la catalogación totalizadora de la realidad de una época; las fichas para nombrar, identificar, medir y archivar individuos, utilizadas en muchas disciplinas, desde la criminología hasta la geología, la arqueología, la etnología y la zoología; la compulsión privada de archivar en imágenes; el registro de lo nuevo en cada viaje; la obsesión por la imagen familiar y, en general, la reserva de la memoria; todos estos elementos se ponen en común, en tanto que reflejan la tendencia que impulsa a mantener la realidad archivada, subtitulada, datada y organizada.

(...)

Más sobre el proyecto en la reseña de prensa de la Fundació Tàpies.

Sobre su portal ya habíamos publicado un post aquí.

Entusiasmo

28/10/2005 - 15/1/2006

Un proyecto de Neil Cummings y Marysia Lewandowska

Organiza:
Fundació Antoni Tàpies, Barcelona; Centre for Contemporary Art, Ujazdowski Castle, Varsovia; Whitechapel Art Gallery, Londres; y KW Institute for Contemporary Art, Berlín
Inauguración:
27 octubre 2005, 19.30 h, nivel 3
Exposición en Barcelona:
28/10/2005 - 15/1/2006, Fundació Antoni Tàpies, Barcelona
Itinerancia:
1/4/2005 - 22/5/2005, Whitechapel Gallery, Londres
5/6/2005 - 4/9/2005, KW Institute for Contemporary Art, Berlín
Horario:
de martes a domingo, de 10 a 20 h. Lunes cerrado
Visitas de grupo:
pueden concertarse horas de visita llamando al (t) +34 934 870 315 / (f) +34 934 592 450 / reserves@ftapies.com
Servicio de prensa:
Alexandra Laudo (t) +34 934 870 315 / (f) +34 934 870 009 / e-mail

Hace diez años que los artistas británicos Neil Cummings y Marysia Lewandowska trabajan conjuntamente en la exploración de formas de producción cultural colaborativas. Los proyectos que han desarrollado durante este tiempo han servido para profundizar en el estudio y la investigación de nuevas vías de producción artística y de relación con las instituciones culturales que definen, producen, promueven y difunden el arte. Estas instituciones son las que, en última instancia, ponen en escena el intercambio de valores entre las personas y los objetos. Entre sus proyectos anteriores podemos destacar Free Trade (2003), una exploración de las implicaciones del arte y el capital en el Manchester del siglo XIX, o The Value of Things (2000), un estudio paralelo del funcionamiento de dos grandes instituciones gestoras de objetos, el British Museum y los grandes almacenes Selfridges (www.chanceprojects.com).

En esta ocasión, Neil Cummings y Marysia Lewandowska han creado un extenso archivo de la filmografía producida por el movimiento polaco de cine amateur desde la década de los cincuenta hasta mediados de los ochenta. En la Polonia de la era socialista, el ocio se organizaba a través de numerosos clubs de fábrica patrocinados por el Estado, y uno de los más populares era el que fomentaba el rodaje de películas. Paralelamente a -o a contrapelo de- la cultura oficial tardía de la Guerra Fría en el bloque soviético, estos trabajadores entusiastas supieron captar de forma subversiva las escenas que los rodeaban ofreciendo narrativas de amor y pérdida, deseo y anhelo, a la vez que exponían las relaciones con el trabajo, la celebración, el consumo y el ocio. En una entrevista reciente, Marysia Lewandowska describe el fenómeno del entusiasmo como "una especie de motivación, una fuerza independiente de las obligaciones profesionales [...]. Un impulso no dictado por las ganancias financieras [...] resultado de pasiones ocultas y necesidad de autorrealización." Cummings y Lewandowska utilizan estas películas para retrazar una trayectoria del entusiasmo que parece haber desaparecido de los espacios del arte y la cultura.

(...)

Más info en la Fundació Tàpies.

Zehar 56. Mal de archivo

El título del dossier Mal de archivo lo hemos tomado del libro de Jacques Derrida Mal de archivo: una impresión freudiana. Son muchas las lecturas y relecturas que se han hecho de este conocido texto, pero desde Zehar lo hemos querido utilizar para aglutinar en torno a él la problemática del archivo, la idea de lo “otro”, y la de la construcción del por-venir. ¿Quién detenta la autoridad? ¿A quien corresponde la interpretación? ¿Quién recupera la memoria? ¿Funciona el archivo como fetiche? Éstas son algunas de las preguntas que se cuestionan en el monográfico, con el convencimiento, y una vez más siguiendo a Derrida, de que “La democratización efectiva se mide siempre por este criterio esencial: la participación y el acceso al archivo, a su constitución y a su interpretación”.

Xabier Erkizia pone de manifiesto en su artículo la importancia del contexto en la creación y presenta un nuevo proyecto cuyos integrantes provienen de entornos muy diferentes. Azucena Vieites expone en su texto su posición frente al arte y la creación. Jorge Blasco presenta el proyecto Culturas de archivo. Miren Jaio reflexiona sobre la importancia del archivo y para ello toma como base dos exposiciones, Beste Bat! que tuvo lugar en la Sala Rekalde de Bilbao y la muestra sobre la Red Army Faction realizada en la KW de Berlín. Alessandro Ludovico analiza en su artículo la relación entre la edición analógica y la digital y muestra su visión de la situación actual. Leire Vergara realiza en su texto un análisis sobre la muestra Entusiasmo y trata la cuestion de los derechos de autor.

La sección forum es un espacio dedicado temporalmente a la difusión de los debates que están surgiendo alrededor de la producción cultural y los derechos de autor, sus opciones legales y sus alternativas de distribución. En este número presentamos dos textos que tratan sobre la situación actual de las bibliotecas, el primero de Marieke Van Schinjdel y Joost Smiers y el segundo de Ramón Salaberria.

En el apartado de reseñas hemos reunido la crítica que Cecilia Andersson ha realizado sobre la exposición que tuvo lugar en la Barbican Gallery de Londres sobre la obra de Christian Marclay, las reflexiones de Iñaki Urdanibia en torno a L´Abécédaire de Gilles Deleuze, las impresiones de Ana Arregi sobre el libro Travesías por la incertidumbre de Estrella de Diego y las de José Luis Padrón tras haber leído el trabajo Begiradak. Miradas y memorias desde el margen. En la edición inglesa de Zehar hemos recogido la opinión de Cecilia Andersson sobre la última Bienal de Venecia.

desde Mediateletipos.

El índice de Zehar 56. Mal de archivo se puede consultar aquí. y si llamas a Arteleku, te pueden envir (otras veces lo han hecho) números de sus publicaciones, como esta siempre recomendable Zehar.